Producteur de disques, compositeur et musicien nord-américain. Passionné par le développement des artistes, il a travaillé et produit des albums pour Herbie Hancock, les Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, Aerosmith, Marilyn Manson, Hole, Ozzy Osbourne, Soul Asylum et bien d’autres encore.
Interview
Michael, comment définiriez-vous votre métier ? Quelle est votre approche personnelle de celui-ci ?
Je me suis débarrassé il y a longtemps de l’idée que j’étais réellement un musicien. Je suis clairement davantage du côté de la production.
Ma façon de travailler avec les gens comporte de nombreuses facettes. Une grande partie est intuitive : essayer de comprendre ce dont ils ont besoin. Je pense aussi – et tout le monde ne partage pas mon sentiment – que mon approche est unique en ce sens qu’il doit y avoir une forme d’évolution ou de croissance chez un artiste. Une partie de ma démarche consiste donc à aider un artiste à grandir au cœur du processus. Et pour cela, j’essaie d’aider l’artiste à se développer musicalement, mais aussi à se trouver dans son expression et à capter une signature sonore – faute d’un meilleur mot – ou quelque chose qui fera que le projet particulier que nous réalisons reflète cette croissance et, d’une certaine manière, se démarque de la foule des autres artistes qui font peut-être quelque chose de similaire.
C’est donc une approche à plusieurs niveaux. Je constate dans bien des cas qu’aujourd’hui on considère les artistes comme des créateurs de contenu, c’est-à-dire qu’ils déversent simplement ce qu’ils font. Mais il n’y a pas vraiment de recherche de croissance ni de développement. Par le passé, les artistes traversaient différentes périodes d’expression personnelle, l’expérience de la vie leur arrivait et modifiait leur façon de s’exprimer, ce qu’ils faisaient ; l’âge les affectait et ils se mettaient à faire les choses différemment. Chaque artiste a le potentiel de se développer et de grandir. Un parfait exemple musical est David Bowie, qui a traversé tant de périodes différentes, tant de masques différents qu’il enfilait et retirait en progressant. De nos jours, ce type de croissance n’est pas encouragé. J’irais même jusqu’à dire qu’il est découragé. L’industrie musicale n’a pas vraiment beaucoup de temps à consacrer au développement des artistes. Une des raisons, c’est que s’ils évoluent vers quelque chose qui ne plaît pas à leur public tel qu’il est au présent, il y a de fortes chances qu’ils cessent de vendre des disques, s’ils sont populaires. Ils cessent de vendre des disques, ils ne sont plus viables ni utiles pour leur maison de disques. Il est donc dans leur intérêt, du moins dans l’esprit des gens des maisons de disques, de maintenir l’artiste dans une sorte de stase une fois qu’il a atteint un certain niveau, et cela devient une sorte de plateau qui, à bien des égards, ressemble presque à une condamnation à mort.
J’ai un peu le sentiment que mon travail consiste à aider l’artiste à devenir qui il a besoin d’être d’un instant à l’autre, quoi que ce soit, vous savez, une croissance organique. Et cela demande beaucoup d’observation, beaucoup d’écoute. Je dois beaucoup écouter leur musique pour pouvoir… c’est presque comme la méthode d’acteur, comme entrer dans un personnage ou quelque chose comme ça. Je ne dirais pas que j’essaie de pousser qui que ce soit dans une direction. C’est davantage de la motivation et de l’encouragement. Si je montre quelque chose à un artiste et que je lui donne une idée, je ne dis pas précisément « utilise cette idée parce qu’elle vient de moi et que mon idée sera la meilleure ». C’est plutôt « je te présente ceci parce que c’est là que je trouve que ce morceau de musique est faible. Voici une solution possible, mais je vais faire confiance au fait que tu en as peut-être une meilleure » – et c’est très souvent le cas. Mon rôle est donc d’expliquer à l’artiste ce qui ne fonctionne pas et pourquoi, de lui donner un exemple de ce que l’on pourrait faire, et de le laisser avec ça.
Quelle attention portez-vous à la qualité sonore ?
C’est intéressant. Il faut un contexte pour comprendre que quelque chose peut être meilleur, comme pour toute chose, comme écouter de la musique via Audirvāna par exemple. Une fois qu’on a entendu ou vécu quelque chose d’une certaine manière, qui constitue une amélioration radicale par rapport à ce qu’on connaît, il est très difficile de « dé-vivre » cela, très difficile de « désentendre » cela. Mon expérience a donc été la suivante : quand j’entendais quelque chose de meilleur que les sources que j’utilisais auparavant, j’étais attiré vers cela. OK, comment obtenir ça ? Et une grande partie de la réflexion là-dessus était : « Si on fait ceci ? Pourquoi ne pourrait-on pas faire cela ? ». J’ai par exemple développé un système 8 pistes sur bande 2 pouces pour l’enregistrement analogique, et j’ai été surpris que personne d’autre ne l’ait fait avant. Rien qu’en utilisant une plus grande largeur de piste, on pouvait enregistrer et lire d’une manière très différente, ce qui changeait complètement la qualité sonore pendant l’enregistrement et la lecture. Je pense que c’est quelque chose qu’il faut montrer aux gens. Donc si vous pouvez présenter quelque chose à quelqu’un et lui démontrer comment ça fonctionne, ce que ça fait, en quoi cela concerne sa musique, en quoi cela concerne son futur processus d’enregistrement, de manière générale, mon expérience a été qu’ils ne vont pas dire non.
« Une fois qu’on a entendu ou vécu quelque chose d’une certaine manière, qui constitue une amélioration radicale par rapport à ce qu’on connaît, il est très difficile de le “dé-vivre”, très difficile de le “désentendre”. »
Prenez-vous encore plaisir à écouter de la musique pour le plaisir ou pour vous détendre ?
Je ne vois pas pourquoi je ne le ferais pas. Quand j’écoute un morceau sur lequel je travaille et un morceau que j’écoute pour le plaisir, je recherche à peu près la même chose. C’est généralement plus difficile à trouver dans un morceau que j’écoute pour le travail. Mon travail est donc : « Comment faire entrer cet élément là-dedans ? Qu’est-ce que je vais ajouter pour l’apporter ? ». Mais il y a une certaine qualité émotionnelle que je recherche, quelque chose de vraiment captivant, quelque chose qui m’arrête, quelque chose que je ressens à l’intérieur de mon corps, quelque chose de viscéral. Et je ne vois aucune différence ni aucun écart. On peut évidemment aussi écouter les choses d’un point de vue structurel, et nous le faisons fréquemment. Et je peux devenir très analytique à propos d’un morceau. Mais je constate que je dois « allumer » cela. Ça ne vient plus automatiquement, ce dont je suis heureux, à vrai dire. Parce que je ne voudrais pas tout écouter de manière uniquement analytique. De temps en temps ça arrive, mais je l’ignore, tout simplement !
Depuis combien de temps utilisez-vous Audirvāna ? Qu’avez-vous pensé en le découvrant ?
Trois ans, je crois. Je cherchais simplement la façon la plus propre possible d’écouter des enregistrements et des fichiers numériques. J’ai trouvé beaucoup de systèmes de lecture que je trouvais vraiment bons, mais j’avais l’impression qu’il y avait toujours une sorte de légère distorsion par-ci par-là, qui l’empêchait d’être aussi net et gênait la lecture de ce que j’écoutais. Je crois que j’ai vraiment creusé et cherché à découvrir sur Internet quelle pourrait être la meilleure solution pour moi, et c’est ainsi que je suis tombé sur Audirvāna. Quand j’écoute de la musique dans Audirvāna, je n’entends aucune résonance désagréable – ni de pics – aucune fréquence qui s’accumule et me saute aux oreilles. C’est assurément la représentation la plus transparente que j’aie entendue sur mon système à ce jour. C’est pour ça que j’en suis venu à m’y fier.
Je suis resté sur Audirvāna 3.5 aussi longtemps que possible parce que je n’avais pas envie de payer une mise à niveau. Je me disais « c’est génial ! ». Et après quelques années, je me suis dit « bon, on dirait qu’ils ont pas mal amélioré les choses, fait quelques changements, il faut que je regarde ça ». Et j’ai écouté Audirvāna Studio, et… ah… On ne peut pas « désentendre », on ne peut pas « dé-vivre » cela. Il faut suivre le mouvement. Que dire ? Je dois le faire ! C’est le genre de chose où je me dis que si quelqu’un fait un très bon travail et a créé un produit qui vaut son prix, alors c’est ma responsabilité de le soutenir dans ce qu’il fait. Je veux dire, c’est évidemment un produit de spécialité, donc je suis de toute façon d’accord pour payer.
En parlez-vous autour de vous ?
Honnêtement, seulement en passant. Et la raison, c’est que la plupart des gens n’écoutent pas la musique de la même manière que moi. La plupart des gens que je connais travaillent – au mieux – généralement avec un DAW (une station de travail audionumérique) et toute leur musique est dans Apple Music, vous savez, iTunes. Et ça n’a aucun sens pour eux d’avoir un lecteur de musique séparé, tout est tellement directement accessible. Les gens ont tendance à se tourner simplement vers ce qui est le plus pratique, parce qu’ils ne réfléchissent pas vraiment à ce que l’ordinateur fait réellement. Ils ne se demandent pas comment telle application pourrait en fait sonner mieux que telle autre, parce qu’ils pensent « ce ne sont que des uns et des zéros », ce qui, bien sûr, on le sait, est une absurdité totale.
Quelles sont vos passions en dehors de la musique ?
Eh bien, j’ai un fils de 5 ans ! Ma famille est formidable. J’adore les arts, j’adore la peinture, j’adore les arts visuels. C’est un monde extraordinaire, il y a tant à voir et tant à faire, et je ne pense pas qu’on puisse épuiser les choses amusantes. Voyager, c’est génial aussi.