Nordamerikanischer Plattenproduzent, Komponist und Musiker. Mit Leidenschaft für die Entwicklung von Künstlern hat er Alben für Herbie Hancock, Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, Aerosmith, Marilyn Manson, Hole, Ozzy Osbourne, Soul Asylum und viele weitere produziert.
Interview
Michael, wie würdest du deinen Beruf beschreiben? Wie ist dein persönlicher Zugang dazu?
Ich habe mich schon vor langer Zeit von der Vorstellung befreit, tatsächlich ein Musiker zu sein. Ich bin definitiv eher auf der Produktionsseite der Dinge.
Es gibt viele Aspekte, wie ich mit Menschen arbeite. Vieles davon ist intuitiv, ich versuche herauszufinden, was sie brauchen. Ich glaube auch, und nicht jeder sieht das wie ich, dass mein Ansatz insofern einzigartig ist, dass es eine Art Entwicklung oder Wachstum durch einen Künstler geben muss. Ein Teil meines Strebens besteht also darin, einem Künstler zu helfen, im Laufe des Prozesses zu wachsen. Und um das zu erreichen, versuche ich, dem Künstler zu helfen, sich musikalisch weiterzuentwickeln, und ihm auch zu helfen, sich selbst ausdrucksmäßig zu finden, und versuche, eine Klangsignatur einzufangen – mangels eines besseren Wortes – oder etwas, das das jeweilige Projekt, an dem wir arbeiten, dieses Wachstum widerspiegeln lässt, und das es in gewisser Weise von der Masse anderer Künstler abhebt, die möglicherweise etwas Ähnliches machen.
Es ist also ein Ansatz auf mehreren Ebenen. Ich stelle in vielen Fällen fest, dass Künstler heutzutage als Content-Ersteller angesehen werden, das heißt, sie stoßen einfach aus, was sie gerade so tun. Aber es gibt eigentlich keinen Fokus auf Wachstum oder Entwicklung. In der Vergangenheit haben Künstler verschiedene Phasen persönlichen Ausdrucks durchlebt, Lebenserfahrung trifft auf sie und verändert, wie sie sich ausdrücken, was sie tun, das Alter beeinflusst sie, also fangen sie an, Dinge anders zu machen. Jeder Künstler hat das Potenzial, sich zu entwickeln und zu wachsen. Ein perfektes Beispiel eines musikalischen Künstlers hierfür ist David Bowie, der so viele verschiedene Phasen durchlebte, so viele verschiedene Masken, die er sozusagen aufsetzte und wieder absetzte, und sich weiterentwickelte. Heutzutage wird diese Art von Wachstum nicht gefördert. Tatsächlich würde ich so weit gehen zu sagen, dass sie entmutigt wird. Die Musikindustrie hat eigentlich nicht wirklich viel Zeit für die Entwicklung von Künstlern. Und ein Grund dafür ist, dass, wenn sie sich zu etwas entwickeln, das ihrem Publikum nicht gefällt, so wie sie es gegenwärtig mögen, es eine gute Chance gibt, dass sie aufhören, Platten zu verkaufen, wenn sie beliebt sind. Sie verkaufen keine Platten mehr, sie werden für ihr Plattenlabel nicht mehr rentabel oder nützlich. Es ist also von Vorteil, zumindest in den Köpfen der Leute in den Plattenfirmen, Künstler in einer Art Stillstand zu halten, sobald sie ein gewisses Niveau erreicht haben, und das wird zu einem Plateau, das in vielerlei Hinsicht fast wie ein Todesurteil ist.
Ich habe das Gefühl, dass meine Arbeit in gewisser Weise darin besteht, Künstlern zu helfen, von Moment zu Moment zu dem zu werden, was sie sein müssen, was immer das auch ist, wisst ihr, organisches Wachstum. Und es geht viel um Beobachtung, viel um Zuhören. Ich muss ihre Musik sehr oft hören, um das zu können, es ist fast wie Method Acting oder wie in einen Charakter hineinzuschlüpfen oder Ähnliches. Ich würde nicht sagen, dass ich versuche, irgendjemanden in irgendeine Richtung zu drängen. Es ist eher wie Motivation und Ermutigung. Wenn ich einem Künstler etwas zeige und ihm eine Idee gebe, sage ich nicht ausdrücklich ’nutze diese Idee, weil sie von mir kommt und meine Idee die beste sein wird‘. Es ist eher so: ‚Ich präsentiere dir das, weil ich das Gefühl habe, dass dieses bestimmte Musikstück hier schwach ist. Hier ist eine mögliche Lösung, und ich vertraue darauf, dass du vielleicht eine bessere hast‘, und das ist oft der Fall. Meine Rolle besteht also darin, dem Künstler zu erklären, was nicht funktioniert und warum, und ihm ein Beispiel dafür zu geben, was man tun könnte, und es ihm dann zu überlassen.
Wie viel Aufmerksamkeit schenkst du der Klangqualität?
Es ist interessant. Man braucht einen Kontext, um zu verstehen, dass etwas besser sein kann, wie bei allen Dingen, wie zum Beispiel beim Musikhören über Audirvāna. Sobald man etwas auf eine bestimmte Weise gehört oder erlebt hat, das eine drastische Verbesserung gegenüber dem ist, was man kennt, ist es sehr schwer, das nicht mehr zu erleben, es ist sehr schwer, es nicht mehr so zu hören. Meine Erfahrung war also, dass, als ich etwas hörte, das besser war als die Quellen, die ich zuvor genutzt hatte, ich mich dahin orientierte. Okay, wie bekomme ich das? Und viel von dem Denken, das dahintersteckte, war ‚Wenn wir das machen, warum können wir nicht das machen?‘. Ich habe zum Beispiel ein 2-Zoll-8-Spur-System für analoge Aufnahmen entwickelt, was mich überraschte, dass es noch niemand zuvor getan hatte. Allein durch mehr Spurbreite konnte man auf ganz andere Weise aufnehmen und abspielen, und das würde die Klangqualität beim Aufnehmen und Abspielen komplett verändern. Ich glaube, das ist etwas, das man den Leuten zeigen muss. Wenn man also jemandem etwas präsentieren und demonstrieren kann, wie es funktioniert, was es macht, wie es sich auf ihre Musik bezieht, wie es sich auf ihren Aufnahmeprozess auswirken wird, dann werden sie meiner Erfahrung nach in der Regel nicht Nein sagen.
„Sobald man etwas auf eine bestimmte Weise gehört oder erlebt hat, das eine drastische Verbesserung gegenüber dem ist, was man kennt, ist es sehr schwer, das nicht mehr zu erleben, es ist sehr schwer, es nicht mehr so zu hören.“
Hörst du noch Musik zum Spaß oder zum Vergnügen?
Ich sehe nicht, warum nicht. Wenn ich ein Musikstück höre, an dem ich arbeite, und ein Musikstück, das ich zum Vergnügen höre, suche ich in beiden Fällen im Grunde nach demselben. Es ist normalerweise schwieriger, es in einem Musikstück zu finden, das ich für die Arbeit höre. Meine Aufgabe ist also: ‚Wie bringe ich dieses Element hinein? Was werde ich hinzufügen, um das zu erreichen?‘. Aber es gibt eine bestimmte emotionale Qualität, nach der ich suche, etwas wirklich Fesselndes, etwas, das mich innehalten lässt, etwas, das ich in meinem Körper fühle, das viszeral ist. Und ich sehe da keinen Unterschied oder keine Abweichung. Natürlich kann man Musik auch aus einer strukturellen Perspektive hören, und das machen wir häufig. Und ich kann bei einem Musikstück sehr analytisch werden. Aber ich stelle fest, dass ich das erst einschalten muss. Es kommt nicht mehr automatisch, worüber ich, um die Wahrheit zu sagen, froh bin. Denn ich möchte nicht alles nur analytisch hören. Ab und zu passiert es trotzdem, aber ich ignoriere es einfach!
Wie lange nutzt du schon Audirvāna? Was dachtest du, als du es entdeckt hast?
Drei Jahre, glaube ich. Ich war einfach auf der Suche nach dem sauberstmöglichen Weg, digitale Aufnahmen und Dateien zu hören. Ich fand viele Wiedergabesysteme, die ich für wirklich gut hielt, aber ich hatte immer das Gefühl, dass es hier und da eine gewisse geringe Verzerrung gab, die dafür sorgte, dass es nicht so klar war und die Wiedergabe von dem beeinträchtigte, was ich hörte. Ich glaube, ich habe wirklich gegraben und versucht, im Internet herauszufinden, was für mich die beste Lösung sein könnte, und so bin ich auf Audirvāna gestoßen. Wenn ich mit Audirvāna Musik höre, höre ich keine unangenehmen Resonanzen – oder sozusagen Spitzen – Frequenzen, die sich aufbauen und mir ins Ohr springen. Es ist sicherlich die transparenteste Darstellung, die ich bisher auf meinem System gehört habe. Deshalb verlasse ich mich inzwischen darauf.
Ich bin so lange wie möglich bei Audirvāna 3.5 geblieben, weil ich nicht für ein Upgrade bezahlen wollte. Ich dachte: ‚Das ist großartig!‘ Und nach ein paar Jahren dachte ich: ‚Na gut, es klingt so, als hätten sie einiges verbessert, ein paar Änderungen vorgenommen, ich muss es mir ansehen‘. Und ich habe mir Audirvāna Studio angehört, und … ah… Man kann es nicht mehr überhören, man kann es nicht ungeschehen machen. Man muss einfach mitmachen. Was soll ich sagen? Ich muss es tun! Es ist so eine Sache, bei der ich das Gefühl habe, dass, wenn jemand einen wirklich guten Job macht und ein Produkt geschaffen hat, das das Geld wert ist, es meine Verantwortung ist, ihn bei dem zu unterstützen, was er tut. Ich meine, das ist offensichtlich ein Spezialprodukt, also bin ich sowieso bereit, das Geld zu bezahlen.
Sprichst du mit Leuten darüber?
Ehrlich gesagt, nur beiläufig. Und der Grund dafür ist, dass die meisten Leute Musik nicht auf dieselbe Weise hören wie ich. Die meisten Leute, die ich kenne, arbeiten höchstens mit einer DAW (einer Digital Audio Workstation), und ihre ganze Musik ist in Apple Music, wisst ihr, iTunes. Und es macht für sie keinen Sinn, einen separaten Musikplayer zu haben, alles ist so direkt zugänglich. Die Leute tendieren einfach dazu, sich zu dem hinzuziehen, was am bequemsten ist, weil sie sich nicht wirklich darüber Gedanken machen, was der Computer eigentlich tut. Sie denken nicht darüber nach, wie diese App möglicherweise besser klingen könnte als jene App, weil sie denken ‚es ist alles nur Einsen und Nullen‘, was, wie wir natürlich wissen, kompletter Unsinn ist.
Welche Leidenschaften hast du außerhalb der Musik?
Nun, ich habe einen 5-jährigen Sohn! Meine Familie ist wunderbar. Ich liebe die Kunst, ich liebe Malerei, ich liebe bildende Kunst. Es ist eine erstaunliche Welt, es gibt so viel zu sehen und so viel zu tun, und ich glaube nicht, dass einem die schönen Dinge je ausgehen. Reisen ist auch großartig.